艺术博物馆，纽约现代艺术博物馆(MoMA)不仅收藏着二十和二十一世纪最著名的绘画作品，其雕塑藏品在雕塑史上也有着里程碑式的意义。虽然由于雕塑的可复制属性，某些雕塑在其他地方也有收藏，但MoMA对它们的收录是对其地位的确认，因此也具有了另外一个层面的文化含义——它们塑造，并记录了雕塑的现代主义进程。下面让我们一起看看这些著名的雕塑都包括哪些吧!

1 罗丹，《巴尔扎克像》1898年

相信有些读者读过罗丹与这座巴尔扎克像的故事。罗丹10岁时，巴尔扎克逝世。他在长大成人后阅读了巴尔扎克的很多著作，对这位现实主义大师非常仰慕。因此，当法国文学家协会委托罗丹雕造巴尔扎克的塑像时，他表示定会竭尽全力。不过，如何突出巴尔扎克的深刻思想是艺术家面临的难题，毕竟这不是一件文学作品。最后，艺术家选择了一种删繁就简的方法：只将思想者的头颅雕刻得十分精细，身体由一件毯子遮盖——这是作家夜起思索，披星戴月的场景。据说，雕塑的草稿中是有手的，但罗丹的卓越的技巧使得这双手太完美无缺了。为了突出巨人的思想，罗丹最后放弃了这双手。

2 马塞尔·杜尚，《自行车轮》1913年

艺术家在其巴黎的工作室完成了这件《自行车轮》，它被认为是第一件现成物作品。艺术家声称对这件作品并没有什么特别的构思，只是想“将一个自行车轮安到厨房板凳上，然后让它转。”作品在1915年被运到了纽约，存在于众多大工业生产的物品之中。这时，杜尚意识到用传统的手工艺方法做艺术在工业时代已经毫无意义。如果艺术机器可以完成，要人干嘛呢?虽然杜尚的作品并没有被归类到观念艺术的类别，但他的行为已经开启了观念艺术的先河。不过，最初版本的《自行车轮》并没有保存下来，MoMA收藏的是1951年的复制品。

3 阿尔贝托·波丘尼，《空间中连续运动的形》1913年

波丘尼是意大利未来主义的代表人物，他既是一名艺术实践者，也是未来主义理论家。未来主义是立体主义在意大利的再发展，但与立体主义者不同的是，未来派艺术家轻视立体主义者对静止物的描绘，只有运动中的主题才能表达发展的观念。未来主义者拥抱现代科技、热爱速度，并充满激情。就波丘尼而言，他对工业文明所带来的快速生活非常崇尚，并说：“一辆汽车吼叫着，它比萨莫色雷斯的胜利女神还美。”在波丘尼的绘画和雕塑中，一切都处于急速的运动之中，我们看不清具体的物象，只能捕捉到运动之物的模糊印象。但是，在这座非常前卫的“运动的形”中，我们似乎可以发现某种古典之美。

4 康斯坦丁·布朗库西，《鸟》1928年

布朗库西出生于罗马尼亚，是现代雕塑的先驱之一。他的作品常常有一种原始主义的朴素感，看似简单的雕造下蕴含着某种哲理，比如说其最著名的作品《吻》。《鸟》实际上是系列雕塑作品中的1件。整个系列由16件作品组成，其中7个由大理石制成，9个用铜制成。MOMA拥有系列中的2件铜制作品。关于《鸟》，与其说是对鸟的形象的再现，不如说是对空气动力学的一种暗示——那条弯曲的形体可以看作是鸟儿飞翔时在空中划过的弧线。这让人想起泰戈尔的诗句“天空未留痕迹，鸟儿却已飞过。”

5 梅雷特·奥本海姆，《物品》1936年

很多人知道这件由毛皮做成的“雕塑”，却不一定知道背后的故事。故事发生在巴黎的一家咖啡馆，主人公是奥本海姆、毕加索和朵拉·马尔(毕加索当时的情人)。当时，毕加索看到奥本海姆手腕上戴着的毛茸茸的手环，便与奥本海姆讨论所有物品都覆盖上皮毛的样子。奥本海姆就指着桌上的物品说道：“就比如这个杯子和杯碟。”另外的版本是，奥本海姆对侍者说：“来点皮毛让饮料暖和点儿吧!”不管故事的确切版本是什么样的，《物品》正式亮相于超现实主义先驱安德烈·布雷东策划的展览上。很多人认为《物品》有性暗示的意思，但奥本海姆只承认这是对质地相反材料的实验。

6 阿尔贝托·贾科梅蒂，《二轮战车》1950年

贾科梅蒂以“火柴人”形象闻名世界。这些身材细长、瘦骨嶙峋的人象征着在世界大战中被摧残的人民，毫无存在感的肢体也质问着人们生存的意义。在《二轮战车》中，站立在车上的是一名女士。人们认为这和艺术家凌厉的母亲具有一定的关联，也有人认为这是一件女权主义作品，不过这些猜测并没有得到艺术家的证实。《二轮战车》的特别之处在于，艺术家探索了原本“滚动”的车轮与雕塑静止状态之间的关系。2014年，《二轮战车》的另外一个版本拍出了1亿美元的价格。

7 埃尔斯沃斯·凯利，《墙上雕塑》1956-1957年

《墙上雕塑》是二十世纪中期美学和战后现代主义理念结合的典型例子，最初的安放地为费城的交通大楼大厅。大楼由文森特·科灵(Vincent Kling)设计，是整个“宾州中心”建筑项目的一部分。1998年，大楼被重新建造，凯利的浮雕被取下来，同年被MoMA买下。这件作品长65英寸，高11英寸，闪耀着金属的光泽。雕塑由四排水平的氧化铝板组成，每排被分割成形状不规则的四边形。这些四边形并不属于同一个表面，而是时凸时凹，再加上金属的光泽，最后呈现出一种波光粼粼的效果。雕塑的律动效果让人联想到音乐的旋律。

8 巴内特·纽曼，《破碎的方尖碑》，1963-1969年

纽曼是美国抽象表现主义的代表艺术家之一。就绘画而言，他常常在巨大的画面上涂抹强有力的单一色彩。在这些色彩中间，有线条呈水平或垂直的方向通过画面，这些线条被称为“拉链”。不过，他也是一位出色的雕塑家，《破碎的方尖碑》是他的代表作。这件纪念碑式的作品过去一直被陈列在MoMA的中厅。艺术家将方尖碑和金字塔——这两样古埃及建筑最著名的形式结合在一起，它们一正一反，在顶点处相接，并达到完美的平衡。其中，倒置的方尖碑是破碎的，像一根被折断的铅笔。有些评论家认为它的理念和纽曼的绘画是一脉相承的，而有的人则认为艺术家的目标在于宣传反战思想。

9 安迪·沃霍尔，《布里洛包装盒》1964年

《布里洛包装盒》可能是沃霍尔在1960年代创作的雕塑中最著名的一件，这让他的波普艺术实践从平面走向了立体。沃霍尔将自己的工作室称为 “工厂”(而他自己则是一架“机器”)，他在工厂中雇佣工人，以流水线作业的形式生产了很多木头盒子，尔后，这些盒子会变成不同商品的包装盒，这些商品包括“亨氏番茄酱”“家乐氏玉米片”和“金宝汤”等——当然，也包括“布里洛钢丝棉”。接下来，他在盒子上作画，画出包装盒外观原有的图案，最后加上丝网印刷的商标和产品名称。因此，这些盒子和工业生产的盒子看上去一模一样。因为大量生产，盒子常常成堆出现，它们出现在画廊，并最终将画廊改造成了仓库的“高级文化”版本。这些作品的形状和系列性，可能是对当时刚刚出现的极简主义的致敬抑或拙劣模仿。不过它更大的意义在于告诉大家，所谓的艺术品和大工业生产制造的产品并没什么区别。

10 唐纳德·贾德，《无题》1967年

唐纳德·贾德是极简主义雕塑的代表艺术家，他的艺术实践将现代主义推到了抽象的边缘。对贾德来说，雕塑的意义在于将作品的具体性在空间中清晰地展示出来，用术语来说，就是“具体物”。而贾德最青睐的表现方式就是使用立方体。和沃霍尔一样，他擅长用重复的形式，并采用工业生产的材料和方法;他和沃霍尔的区别在于，沃霍尔的作品总是与现实物品发生关联，比如《布里洛包装盒》和《玛丽莲·梦露》，而贾德的作品除了自身以外，并不是任何其他物的模仿。《无题》就是这样一件作品。它由完全相同的几个电镀金属做成的方形盒子组成，以同样的距离安装在一面墙上。